Entrevista a Elena Bajo. «Moverme de Madrid a Nueva York fue decisivo en cuanto a la decisión de ser artista.»

Coméntanos brevemente cuál ha sido tu trayectoria y cómo fue el camino que te llevó a ser artista. 

Cursé una carrera de Ciencias y, tras licenciarme en Madrid, viajé a Nueva York y Londres, donde me formé en Artes Escénicas, Moda, Arquitectura y, finalmente, en Arte Contemporáneo en la Saint Martins de Londres. Después, empecé a dedicarme totalmente al arte entre Berlín y Los Ángeles. Parto de la creencia de que ser artista es una predisposición de la personalidad. Es algo que no se decide, es parte de ti. Lo que se decide es el hecho de querer ejercer de artista en la vida, de dedicar tu tiempo y tu energía a la práctica artística. Me di cuenta de que el arte era una forma especial de sentir la vida a través de mi familia, cuando era muy pequeña. Vengo de una familia numerosa de 6 hermanos. Mi madre y su hermana eran bailarinas, mi abuela actriz y cantante y mi padre pintor y poeta. Teníamos un trastero en casa, y fue aquí donde descubrimos los poemas y dibujos de mi padre, y las fotos y ropas de las actuaciones de mi madre y mi abuela. Estas pruebas de lo que mis padres habían sido estaban escondidas. Posteriormente, ellos mismos nos confesaron que no querían que ninguno de nosotros fuésemos artistas. 

Mi madre empezó dándome lápices de colores con los que pintaba durante horas. Cuando tenía 5 años, mi madre presentó uno de mis dibujos a un concurso y ganó el primer premio. A partir de entonces, aprendí a hacer punto, a coser, a hacer muñecos de corcho y rafia, pinturas con arroz, judias, garbanzos… Empecé a coser ropa para los muñecos de mis hermanos. Tomé clases de todo lo relacionado con dibujo y manualidades en High School. Luego decidí ir a la Universidad y graduarme de Ciencias Farmacológicas con la especialidad de Microbiología. Pensé que el arte me acompañaría en todo lo que estudiase. 

Moverme de Madrid a Nueva York fue decisive en cuanto a la decisión de ser artista. Cursé un Máster de Bellas Artes en Central Saint Martins en Londres. El mundo de la moda me proporcionó la experiencia de la colaboración con equipos de diferente background, arquitectos, modelos, bailarines, actores, músicos… Durante esta fase la práctica artísitica se manifestaba en performances en las que presentaban colecciones de ropa confeccionada a mano partiendo de telas encontradas y donadas. A partir de cursar el máster en Bellas Artes en Londres, tomé la decisión de dedicar mi vida y emplear mi energía y mis medios a ejercer de artista por completo. 

Eres una artista multidisciplinar, tus piezas se pueden ver en forma de escultura, pintura, danza, vídeo…Coméntanos cuál es el proceso que te lleva a definir tus obras en un formato u otro. 

Creo que al principio de un proyecto no hay nada predeterminado en cuanto al formato. Se va configurando de una forma orgánica, y depende fundamentalmente del material que encuentro en la etapa de investigación. Lo primero es definir el concepto, y a partir de ahí empieza una etapa en la que descubro los materiales asociados a esa ideas. Me interesan los materiales inertes, de construcción, arquitectónicos. 

A veces se require una proyeccion de estos materiales en un tiempo futuro y esto se traduce en especulaciones, en las que el formato admite un gran rango. Puede ser un vídeo, una performance, una instalación, e incluso una escultura. Puedo considerar que casi la totalidad de mi obra es escultura performativa. La dimensión política surge de alinear en la historia el material de la investigación. El contexto histórico, social y económico aporta las capas que enriquecen el trabajo y definen distintos niveles y puntos de acceso a la obra. 

¿Cuales son tus fuentes de inspiración a la hora de crear? 

Mis fuentes de inspiración son filosóficas, ideas y conceptos que vienen directamente de la lectura y la reflexión de textos, dirigiendo la atención hacia aspectos históricos, politicos y sociales. Sigo una línea de procesos arquitectónica basada en escalas, desde la escala microscópica hasta la extrapolación planetaria o universal. Lo mismo ocurre con el elemento tiempo, el cual concibo en su naturaleza multidimensional. El punto de partida es el espacio las coordenadas locales, y después empiezo un proceso de relaciones entre estos parámetros. 

Mis padres nos empujaron a mis hermanos y a mí a ser conscientes del valor económico y social y de la condicion de clases. Desde un rigor de izquierdas, más bien anarquista, nos inculcaron la realidad relacionada con la desigualdad de clases. Esto se tradujo en un pensamiento crítico derivado de la conciencia de clase y el cuestionar la legitimidad de las clases privilegiadas. La distribución de poder, como el poder económico o politico, está en manos de una minoría que somete a una mayoría. Esto es algo que me interesa. 

Estas cuestiones me conducen a un análisis crítico del capitalimo y sus consecuencias. Lo contemplo desde una filosofía personal eco-anarco-feminista, la cuál influencia mi práctica artística. Como artista, la obra se transforma en materiales que evocan a los sentidos y al intelecto de una forma más cercana. 

Como artista que vive en los Ángeles, ¿que diferencias aprecias entre Madrid y Los Ángeles, en cuanto a la cultura artística se refiere? 

Culturalmente y en cuanto a la forma de vida, Madrid y Los Ángeles son diferentes, pero también tienen elementos en común. Decidí trasladarme a Los Ángeles de manera natural y orgánica, como consecuencia de que Nueva York era cada vez más caro. Al mismo tiempo la audiencia era más comercial y menos experimental. La alternativa fue buscar un lugar en el que pudiese hacer arte más libremente, no tan sujeta a restricciones económicas, así como un lugar en el que pudiese crear una comunidad artística. Las condiciones de Los Ángeles para los artistas son mejores que las que ofrece Nueva York, aunque la ciudad tiene su propia idiosincrasia. 

Madrid, en cuanto a precio, creo que es parecida a Los Ángeles. Puedes encontrar estudios para trabajar mucho más grandes y a un precio mucho más bajo. En Los Ángeles, la forma de vida diaria es un poco más solitaria y menos social, ya que las distancias son mayores y hay menos eventos; pero la parte positiva es que te puedes concentrar más fácilmente a la hora de trabajar. El día es más largo, tienes más horas para dedicar al trabajo sin distracción. 

Las escuelas de arte de Los Ángeles hacen que exista un intercambio muy cercano y participativo entre los artistas y la comunidad educativa. Esto es esencial para mantener un nivel artístico alto, ya que el flujo se alimenta y se renueva de forma continua. La situación ideal en Los Ángeles para un artista es haber estudiado en una de sus escuelas. Esto facilita la visibilidad y el apoyo local. Es parecido a Madrid en cuanto a que existe un apoyo local fuerte, mientras que Nueva York es completamente diferente en este aspecto. 

¿ Que supuso para ti la feria ARCO 2017 y la relación con España como artista? 

La primera vez que participé en ARCO fue con un solo en el proyecto Opening para galerías emergentes, comisariado por Manuel Segade, junto con una presentación de escultura en la sección Solo Objects en el año 2013. Posteriormente, mi trabajo fue presentado en 2014, 2015 y 2016 por García Galeria, Madrid y Annex14, ya en el programa general. En 2017, recibí el Premio de Audemars Piguet. Esto supuso una mayor visibilidad y un enorme reconocimiento de mi obra en España. De repente se identificó mi nombre asociado a mi obra, tanto a nivel internacional, como a nivel crítico y de comisariado. Considero que tener presencia en ARCO y 

otras ferias es fundamental, la obra necesita exponerse y exhibirse en los contextos correctos. De ésto dependerá el éxito y la posibilidad de continuar produciendo arte. 

En nuestro número mostramos tu obra “All Tangled Up in a Fading Star”, 12 cubos de poliuretano y plástico que no dejan indiferente a nadie ¿Puedes contarnos su historia y de qué trata esta obra? 

La obra surgió tras leído una noticia que me impresionó mucho sobre una ballena que habían encontrado varada y muerta en una playa de Holanda, con 40 kilos de plástico en su interior. La muerte se había producido por bloqueo intestinal, a consecuencia de los plásticos que no pudo digerir. El trabajo construye una narrativa que ennoblece la naturaleza del material de la pieza para dejarnos experimentar o revivir una historia simple sobre el ambiente que nos rodea a diario. 

Este proyecto ganó el Premio Audemars Piguet que concede la feria ArcoMadrid. Es una instalación de 12 esculturas fabricadas con materiales de poliuretano y bolsas de plástico encontradas. Me interesa reflexionar sobre cómo esta densidad de objetos que nos rodea se materializa de repente en un hecho concreto: la muerte de un ser inmenso, el fin de una vida. La técnica usada para el proyecto es multidisciplinar. El plástico es uno de los materiales mas contaminantes del planeta. Tarda en destruirse más de 500 años, y probablemente constituirá el fósil del futuro. Su efecto negativo y contaminante se puede revertir y minimizar mediante el reciclado 100%, y puede ser utilizado como fuente de energía. 

La obra de arte se produce sin la intención de producirla. La referencia es el “ready-made” de Duchamp, pero en este caso no encontramos el objeto, sino la situación ready-made que produce el propio objeto. Los visitantes tendrán la oportunidad de ser parte de esta performance. 

Además la obra se cierra con una pieza audiovisual. ¿Podrías hablarnos sobre dicha obra? 

La primera vez que presenté la obra en ArcoMadrid, la instalación integraba 12 esculturas y una estación de video de Realidad Virtual VR, que constituía la parte performativa. Cascos virtuales y auriculares están a disposición del visitante, con los que puede ver un film en el que tiene la posibilidad de sumergirse e interaccionar con una extensión de paisajes, mientras escucha un componente de sonido que sincroniza las vibraciones del cuerpo humano con las vibraciones de la Tierra. 

La narrativa abstracta del vídeo incluye viajes producidos por el efecto de las drogas para adivinar el futuro, elaboradas por las brujas o chamanas cósmicas de los grupos disidentes en contra del sistema dictatorial neoliberal. El enfoque o acercamiento va más allá del género feminista y de la dimensión propiamente futura o de presente. El efecto del vídeo se ve aumentado por la instalación de la pieza en el espacio, y se completa con una iluminación que emite luz blanca de dia. 

¿Qué papel juega el arte a la hora de crear conciencia ambiental? 

El arte es una herramienta que puede ayudar a ver y cuestionar otros aspectos de la realidad que nos rodea a través del campo de los afectos, aportando nuevos recursos críticos. Desde mi práctica artística, me dedico a investigar sobre las ideas de la naturaleza y del cuerpo, entendido como una entidad sociopolítica, y cuestiono su relación con la ecología. El arte puede abrir camino hacia la conversación, la crítica, y el intercambio de ideas, facilitando la contemplación de posibilidades futuras en el tema de la crisis ecológica y su vinculación con otras crisis en otros aspectos de la sociedad contemporánea. El arte actúa como defensor de la imaginación del mundo, y eso es en sí mismo un tipo de activismo. 

Entre los autores, pensadores y filósofos que tengo como referencia, cabe destacar a Donna Haraway, Timothy Morton, Michel Serres, TJ Demo, Bruno Latour o la joven activista por el clima Greta Thunberg, entre otros. Creo que es totalmente necesario que el arte cree este espacio para facilitar el diálogo, un espacio para re-aprender y comprender la fragilidad de nuestro ambiente en este punto critico en la historia de la humanidad, también llamado Capitaloceno o Necroceno 

Háblanos sobre el colectivo D’CLUB del que eres cofundadora. 

El colectivo D’Club surgió como una plataforma para reflejar la preocupación, el interés y el sentido de responsibilidad de confrontar temas ecológicos desde las practicas artísticas. D’Club está compuesto por una red de artistas que trabajan en la intersección entre el arte y las políticas ecológicas. Los co-iniciadores somos Carolina Caycedo, Robbert Herbst, Marshall Astor y servidora. Empezamos teniendo reuniones al aire libre en la entrada del Museo LACMA BP Grand Entrance, en Los Ángeles. Nuestra primera actividad como grupo fue explorar la influencia de la industria de los combustibles fósiles sobre las instituciones culturales de Los Ángeles. Actualmente, D’Club actúa como una plataforma de referencia para nuestras actividades climáticas individuales. 

¿Tienes alguna exposición prevista en España a corto plaz, donde podamos ver piezas nuevas y disfrutar de tu trabajo de nuevo? 

Sí, ahora estoy trabajando en mi nuevo proyecto, que verá la luz en Marzo de 2020 en García Galería en Madrid. Presentaré una obra nueva junto con elementos que presenté por primera vez en The Owl of Minerva only Flies at Dusk, exhibido en el Centro Botín. Esta obra irá acompañada de una publicacion que reflejará las distintas capas del proyecto, con imágenes y textos de autores invitados, cuya lista aún no ha sido elaborada. 

Además del proyecto principal de García, estoy organizando una serie de proyectos paralelos, eventos multidisciplinarios, donde exhibiré distintos aspectos de mi práctica artística: performances, talleres, panels y screenings. 

Me encuentro inmersa en un proceso de investigación, en cierto modo autobiográfica, de las ecologías e historias de las culturas pre-romanas del Norte de la Península Ibérica, Galicia y Cantabria. Druidas, celtas, mitologías y cosmologías, en los que se reflejan relaciones entre humanos y no humanos, plantas, animals y minerales, utilizando el espacio, el movimiento del cuerpo y la escultura. También estoy participando en el programa Microhabitable en el Matadero de Madrid.

Fotografía ROBERTO RUIZ Y GOYO CONDE

Entrevista Elena Bajo
Fotografía de @goyo_conde_photo
Entrevista Elena Bajo
Fotografía de @roberto_ruiz_photography
Entrevista Elena Bajo
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Entrevista Elena Bajo
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